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The following review is in English and Spanish (translated with the of DeepL)

The version read is the English translation by “Seraphin Comics”.

Shiwasu no Okina is one of the most regular hentai authors nowadays. He has developed a distinctive style in of character design, it is enough to see only one to recognize his authorship, and his dedication in writing stories capable of tackling several issues that will be compiled in a tankoubon is also remarkable. You can see the appreciation he has for his work, reflected in his constant effort, which is why he is also one of my favorite authors.

Apart from ... the present one to be reviewed I would like to highlight Nosewasure, Nudist Beach ni Shuugaku Ryokou de!!!, Enkou Oji-san or Please! Freeze! Please!!!, each with its own qualities and all undoubtedly excellent, but if I wanted to approach the author I had to do it with my favorite work, which is also possibly the most recognized, Peace Hame. It even has a 2012 adaptation produced by Queen Bee (and it's pretty decent).

Peace Hame is composed of two tankoubon collections, Jou and Ge, together 16 chapters published from 2010 to 2012, a little more than 500 pages in total and only one story, showing the wide scope of the same. The premise of the story about collecting sexual photographs for the second promotional album is ideal for a varied presentation of designs and archetypes that Okina fully embraces during the first chapters.

Club leaders, sportswomen, dedicated studio girls, you name it, there's room for it here. And the second “aspect” of the plot enhances even more the presentation of the plot, its photographic factor allows Shiwasu to have s dedicated to “posing”, either in the normal s or as photographs themselves being represented. If normally the mangaka must think about the best way to place the characters and decide the angle according to the action, in a photograph that almost serves the same purpose he can give it even more dedication, getting double-page collages of “photogenic” s with poses, actions and reactions of a touch not only pornographic, it is also “perverted”, in a voyeuristic sense.

And when it is not explicitly the picture, Okina does not lower the level in the positioning of his characters, this time dedicated to the maximum enjoyment of the viewer in which he highlights the physical gifts of the girls in a very varied sketch and distribution of s, uses all kinds of poses avoiding any trace of repetition, and again, his character design is great, different size of breasts and height are present, the latter stands out because the protagonist if shorter than the average male stature. The editing of sections is just as well crafted, for example, at the end of episode 3 there is a sequence that varies between 5 girls without losing the narrative thread.

These same observations about his art are applicable to the rest of the work, the level never goes down, if anything it only goes up in certain chapters, especially those with some other situation besides sex. Which is related to the other major component of his work, a narrative that is more intricate than it seems, not in a dramatic sense (although it does have a touch) but is especially fun. Once the stakes are introduced, exaggerated situations will be presented such as a game of Mahjong, sneaking into a house to sleep with a girl who is protected by the Yakuzas or a game of twigs, all in favor of getting the coveted sexual photographs of the challenged.

There are several action scenes, physical I mean, fights either with Kendo or bare fist, Okina's skill as a drawer is ratified because he proves to be able to draw perfectly what the situation requires. In the style that he has forged so much, these moments feel in tune even if they are not the main proposition of the manga, they are a great complement, a little lacking in the rest of his works.

And we are left with his last situation, the final orgy that at the same time includes the most important bet of all. Mixing everything in a single moment, be it action, sex and comedy, to reach the satisfying climax, the encounter that had been so long awaited.

My only complaint is in the second section, with some of the last bet girls there is not the same dedication compared to the previous ones, a chapter or even 20 more pages would have solved this drawback, just for that reason I don't give it a perfect score, besides it has nothing to criticize (as long as it's aligned with your tastes). It's a charismatic and fun protagonist, the main girl has a great attitude and designs, to the point that a work full of girls she's still the standout, starring in a story that squeezes the most out of its premise and takes off on a nice tone.

Español

Shiwasu no Okina es uno de los autores hentai más regulares de la actualidad. Ha desarrollado un distintivo estilo en cuánto a diseño de sus personajes, basta con ver únicamente un para reconocer su autoría, además es destacable su dedicación en escribir historias capaces de abordar varios números que serán compilados en un tankoubon. En conjunto se nota el aprecio que tiene a su labor, reflejado en su constante esfuerzo, de ahí que también sea de mis autores preferidos.

Aparte de la presente que será reseñada quiero destacar a Nosewasure, Nudist Beach ni Shuugaku Ryokou de!!, Enkou Oji-san o Please! Freeze! Please!, cada una con sus propias cualidades y todas sin duda excelentes, más si quería abordar al autor debía hacerlo con mi obra preferida, que también es posiblemente la más reconocida, Peace Hame. Incluso cuenta con una adaptación de 2012 producida por Queen Bee (y es bastante decente).

Peace Hame se compone de dos colecciones tankoubon, Jou y Ge, en conjunto son 16 capítulos publicados de 2010 a 2012, un poco más de 500 páginas en conjunto y de únicamente una historia, mostrando el amplio alcance de la misma. Y es que la situación daba para ello, la premisa de la historia sobre recopilar fotografías sexuales para el segundo álbum de promoción es ideal para una presentación variada de diseños y arquetipos que Okina abraza por completo durante los primeros capítulos.

Líderes de club, deportistas, dedicadas al estudio, todo lo que pueda ocurrir, aquí tiene cabida. Y el segundo “aspecto” de la trama potencia todavía más la presentación de la misma, su factor fotográfico le permite a Shiwasu tener es dedicados a “posar”, sea en los es normales o cómo mismas fotografías siendo representadas. Si de normalmente el mangaka debe pensar sobre la mejor manera de ubicar a los personajes y decidir el ángulo según la acción, en una fotografía que casi sirve al mismo propósito puede brindarle todavía más dedicación, consiguiendo collages de doble página de es “fotogénicos” con poses, acciones y reacciones de un toque no sólo pornográfico, es también “pervertido”, en un sentido voyerista.

Y cuando no es explícitamente la foto, Okina no disminuye el nivel en el posicionamiento de sus personajes, está vez dedicado al disfrute máximo del espectador en los que destaca las dotes físicas de las chicas en un muy variado esbozo y distribución de es, utiliza todo tipo de poses evitando cualquier rastro de repetición, y nuevamente, es genial su diseño de personajes, diferentes tamaño de pechos y altura están presentes, lo último destaca porque el protagonista si es más bajo que la estatura promedio masculina. El montaje de secciones es igual de trabajado, por ejemplo, al final del episodio 3 hay una secuencia que varía entre 5 chicas sin perder el hilo narrativo.

Estas mismas observaciones acerca de su arte son aplicables al resto de la obra, el nivel nunca baja, si acaso sólo sube en según qué capítulos, especialmente aquellos con alguna otra situación aparte del sexo. Lo cuál está relacionado al otro gran componente de su obra, una narración más intrincada de lo que parece, no en sentido dramático (aunque si tiene un toque) sino que es especialmente divertida. Una vez son introducidas las apuestas, exageradas situaciones serán presentadas como una partida de Mahjong, colarse en una casa para dormir con una chica la cuál está protegida por los Yakuzas o un juego de ramas, todo en favor de conseguir las ansiadas fotografías sexuales de la retada.

Hay varias escenas de acción, física quiero decir, peleas sea con Kendo o a puño limpio, es ratificada la habilidad de Okina como dibujante porque demuestra estar a la altura de dibujar perfectamente lo que la situación requiera. En el estilo que tanto ha forjado, se siente en sintonía estos momentos aún si no son la principal proposición del manga, son un genial complemento, un poco carente en el resto de sus obras.

Y nos queda su última situación, la orgía final que a la par incluye a la apuesta más importante de todas. Mezclandolo todo en un sólo momento, sea acción, sexo y comedia, para conseguir llegar al satisfactorio clímax, el encuentro que tanto se había esperado.

Mi única queja está en la segunda sección, con algunas de las últimas chicas de apuestas no hay misma dedicación comparándolas con las previas, un capítulo o siquiera 20 páginas más hubiesen resuelto este inconveniente, sólo por eso no le doy una puntuación perfecta, aparte no tiene nada criticable (siempre que esté alineado con tus gustos). Es un carismático y divertido protagonista, la chica principal tiene una actitud y diseños geniales, al punto que una obra repleta de chicas ella sigue siendo la más destacable, protagonizando una historia que exprime al máximo su premisa y se despide en un agradable tono.

The following review is in Spanish and English (translated with the of DeepL)

The version read is the Spanish translation by SimonXD of “Ramen y Pancake” and Daxer of “Wicked Tricksters”.

Another example of the school romantic comedy “subgenre” of short-lived chapters of a boy and girl based on some particular interaction, in this case it is her acting out different characters, to which the boy will respond in various ways. Constituting a harem approach even being only two characters.

From there comes one of its best qualities, for those who are fans of the genre will be able to have fun with all the different personalities ... that Rin, the girl, represents. They are based on the archetypes so recognizable in this format, and used in context, it is fun to see them in each particular, and how the boy will respond to the situation. The manga is aware of this and uses it to its advantage, almost as if it were an homage.

But that's not all, again there are only two characters, behind the multiple personalities there is still only one Rin, and a boy, Eiji called Senpai, and both are at the same level in of interaction and awareness. Referring to the fact that it is usual how in this kind of exchanges the boy is rather ive and contributes little on his own, this is not the case in Giji Harem. While Rin has fun teasing her Senpai with comments typical of such personalities, he is no slouch, saving some punchline that will cause her to blush or be temporarily stunned, achieving a definite development of friendship towards courtship achieved by both parties.

The chemistry between the two is great, how they complement and understand each other through the innocent exchanges of a young couple in love, being tender reactions, sincere and with a greater “realism” than usual. Of course, it still has the typical topics of the genre because it belongs to it, the confession, holding hands, first days together and even its final stretch with the future put into consideration, the most dramatic of the work, ending in a fully satisfactory ending.

At a narrative level "there are no more characters", just the two of them to keep the story going, and fortunately it kept a short duration in both chapter or general. The comic is one of the cases in which a Twitter story manages to be serialized, and even animated, in all those adaptation processes it kept consistency in what it always wanted to be.

One aspect that I would have preferred more dedication by Yuu Saitou is his approach to the framing and editing of the narrative. It is not bad at all, on the contrary, functional for the usual romantic comedy, more if I would have preferred, even if only occasionally, more creativity to ratify the differences between Rin's personalities, that is, to communicate it visually. Certainly there is no need, as it clearly shows, my observation is that given the context I would have granted even more personality.

It also has a message about the different personalities that each one of us has according to the situation we are in, that even though they do not end up being us, they are part of us, the sum of all of them constitute us and allow us to connect with those who are like-minded. A moral related to its thematic and narrative structure. The conjunction of all the elements make Giji Harem was not just another example, but has its own identity while tenderly and festive reference to the genre.

Español

Otro ejemplo del “subgénero” de comedia romántica escolar de capítulos de corta duración de un chico y chica basados en cierta interacción particular, en este caso es la actuación de ella en la representación de diferentes personajes, a los que el chico responderá de varias formas. Constituyendo un planteamiento de harem aún siendo únicamente dos personajes.

De ahí viene una de sus mejores cualidades, para quiénes sean fanáticos del género podrán divertirse con todas las diferentes personalidades que Rin, la chica, representa. Están basadas en los arquetipos tan reconocibles en este formato, y que utilizados en el contexto, divierte verlos en cada particular, y como el chico responderá a la situación. La obra es consciente de esto y lo utiliza a su favor, casi como si fuera un homenaje.

Más no queda únicamente en eso, nuevamente son sólo dos personajes, detrás de las múltiples personalidades sigue habiendo sólo una Rin, y un chico, Eiji llamado Senpai, y ambos se encuentran al mismo nivel en cuánto a interacción y conciencia. Referido a que es usual como en este tipo de intercambios el chico sea más bien pasivo y poco aporte por su cuenta, no es así en Giji Harem. Si bien Rin se divierte molestando a su Senpai con comentarios propios de esas personalidades, él no se queda atrás, guardando algún remate que le provocará sonrojo o estar temporalmente aturdida, consiguiendo un definido desarrollo de amistad hacia el noviazgo conseguido por ambas partes. 

La química entre ambos es genial, cómo se complementan y entienden a través de los inocentes intercambios de una pareja joven y enamorada, siendo reacciones tiernas, sinceras y con un mayor “realismo” a lo acostumbrado. Por supuesto, sigue contando con los tópicos propios del género porque pertenece al mismo, la confesión, tomarse de las manos, primeros días juntos y hasta su tramo final con el devenir del futuro puesto en consideración, lo más dramático de la obra, terminando en un final plenamente satisfactorio.

A nivel narrativo "no hay más personajes", basta con ellos dos para mantener la historia, y afortunadamente mantuvo una duración corta tanto en capítulo o general. El cómic es de los casos en que una historia de Twitter consigue ser serializada, y hasta animada, en todos esos procesos de adaptación mantuvo consistencia en lo que siempre quería ser.

Un aspecto que hubiera preferido más dedicación por Yuu Saitou es su planteamiento en el encuadre y el montaje de la narración. No es para nada mala, al contrario, funcional para lo usual de la comedia romántica, más si hubiese preferido, aunque fuera de vez en cuando, más creatividad para ratificar las diferencias entre las personalidades de Rin, es decir, comunicarlo visualmente. Ciertamente no hace falta, como claramente se nota, mi observación es que dado el contexto le hubiese concedido todavía más personalidad.

También tiene un mensaje acerca de las diferentes personalidades que tenemos cada quién según la situación en que estemos, que aún así no terminan de ser nosotros más son parte nuestra, la suma de todas es ellas nos constituyen y permiten conexión con quienes seamos afines. Una moraleja afín a su estructura temática y narrativa. La conjunción de todos los elementos consiguen que Giji Harem no fuese sólo un ejemplo más, sino que tenga su propia identidad a la vez que referencia de forma tierna y festiva al género.

The following review is in English and Spanish (translated with the of DeepL)

The version read is the Spanish licence by "Norma Editorial"

As the name implies, it is a compilation of One Shots published by Inio Asano in different magazines and collaborations between 2010 and 2018. Some of them have their own entry in this site, in which different s have written their respective reviews, in this case I will dedicate a couple of paragraphs, at most, to each One Shot. I will not make a particular rating per story, the note of the volume attached to the review you can consider it as an ... “average” that I give to each particular, if it is not that note is close is higher or lower.

Bakemono Recchan

The most recognized story of the anthology, compared to any of the others, has more reviews and comments. Its style is located in that transition from the Asano of Punpun and DDDD, that is, characters with realistic aspects even within its fantastic aspect as the aforementioned Recchan, while the rest of the students are visually more rounded, with a considerable variety of bodies, in line with the second manga, at that time in publication.

A story of discrimination and reflection on hypocrisy, about the treatment of others where consideration as people is blurred to classify them as “entertainment”. It is direct in its presentation, Reechan herself is not internalized, we can only understand her through the relationships she has with others, noting her joy in socializing and disconsolation in the face of brokenness, being as human as anyone else.

However, the backbone is her protagonist, who points out the hypocrisy even though she herself does not quite understand it. In the end, she also crumbles in the surprise of not knowing how to respond to the outburst of genuineness in someone who is so human in her behavior, despite her strange appearance.

Funwari Otoko

Actually it refers to 3 One Shots, in all of them exactly the same thing happens, the difference is the narrator of the situation; at first it is an omniscient one who only describes the apparent facts, then it is the girl and the third one is the boy. Knowing the author, and even within this same compilation, the tone of the story is surprising, it is a romantic comic situation with nothing to hide or intuit, it is exactly what it seems, a goofy and sweet encounter.

Its main point of interest is to contrast the different thoughts depending on who is narrating the story, but they are not convoluted either, again, it is simple, it just produces a smile of complicity from the reader. So it might not seem to have anything special, but precisely because it is Asano's, we will that time when he wrote from pure innocence.

Toshinose

Published in a compilation about tobacco, who in this case represents an adult world for the impatient teenage girl from a small town. Tokyo is practically another country, and her uncle is the only connection to that air of globality. It's a simple tale of a teenage love that can only happen in that transition when you're still fascinated in the unknown, not thinking about what you currently have. And to have been a story in a volume of cigarettes, these appear only once, although precisely with an authentic emotional value that ratifies its protagonism, it is a communion between the farewell of a past love and the future commitment.

Yuugatou

The most cynical One Shot of the compilation, there is only despair and disenchantment in his dialogues, whether in the escape from the rural where there are only memories of a dysfunctional family, the city of destiny that engulfs the unwary, an obtuse and inferred dangerous male figure, in contrast to the protagonist, listless and without aspirations, to the point that any alternative seems better as long as she does not face uncertainty.

Her presentation reaffirms these feelings, most of it takes place on the road, in which Asano emphasizes the lights of the cars, creating curves of strange and attractive lights, by the time it is dawn, the spell is over, and the girl must face the only thing she can identify, herself.

D

Short story about a school couple in the process of separation, more due to the imminent entry into adulthood than due to differences between the two, and the representation of this need for growth is the separation with a childhood fret, object of affection between the two. A recurring theme in Asano distilled in the main elements for its limited duration. The expertise is reflected in his few dialogues, forceful without being pretentious, to give that melancholy of the things that will not be able to be again even if you want them to be.

Sayonara Bye-bye

It is a story of siblings, after having lived together all the time, now each one must assume new responsibilities having in common t duties, that is, the care of their mother. Asano is good at constructing stories of sisterhood, said by him to have an older sister, and this One Shot is precisely the reaffirmation of that fact.

Even when at first the narrative seems to lean toward being indulgent to a “section,” it unravels to present that it's just the unexpected burden of facing responsibilities while taking on new company or being alone. The trivial conversation in the middle is only to echo what they immediately experience, and is familiar to anyone who has a close relationship of the same style, in the congratulatory phrases disguised as indifference whether out of pride or pity.

Tempest

My favorite One Shot of the compilation. Although Asano's work, up to that point, was set in a realistic framework, he had not presented old age in the foreground, ironic considering that his sensibilities could perfectly capture the dilemmas of old age, and this story confirms that assumption.

His presentation of a dystopian but quite grounded world is due to the real crisis of aging in Japan in contrast to the falling birth rate without knowing how to plausibly reverse the situation. Its aging characters can afford their melancholy, cynicism and pessimism given the irreversible situation they find themselves in, added to the number of years they have lived.

It is a very compact and solid story, its character design is of Inio's realistic side, it has great s in which he takes advantage of the overwhelming city to diminish the dilemmas of the characters in contrast to “society”, with a powerful final narrative twist accompanied by a perfect visual presentation. Surely with time, and the still lingering doubt of what Japan will accomplish as a nation, this story will be mentioned even more.

Natsu no Nioi wa Mahou Shoujo wo Nido Korosu

Again the age of time is contrasted in its perception between the city and the village, the former seeing an exotic charm in the latter, a kind of escape without consequences, while the inhabitants of the village feel trapped in an almost cyclical reality. So is the protagonist couple, he married and wanting to spend some time alone without responsibilities, even at the expense of her, who envies him and misses him, she does not know if it is him, or the memory she had of him.

Although it occupies only a couple of s, I still wanted to highlight the presentation of the element alluded to in the title, the Otaku factor being an escape and reminder, of better times and the promise of a future, even if the next day only follows the familiar routine.

Himawari

Quite similar to the previous one in context, differing in the feeling of who has returned, here the failure and disappointment predominates, who ventured to escape and then return for not having been able to “tame the beast”. He is confronted with the one who is still left, she who is aware of herself and who points out his numerous manias, to which he has locked herself up so as not to face the rest.

Her presentation is closer to the previous One Shots, and to Oyasumi Punpun, with the s presenting the protagonist's emptiness, and his obsessions. It is a palpable tale of rage and disappointment, with no one obvious to blame, beyond his weakness in not overcoming his situation.

Kinoko Takenoko

The title is a reference to “almost” the same thing, I mean the battle between two of the most popular snacks in Japan, the Kinoko and Takenoko, you can look it up on Youtube if you are not aware of it. Asano reimagines it in a warlike approach between two nations, with a few “fantastic” touches in its realistic presentation, the combination between the two produces uniquely cool s, they are familiar to us given our habit to war photography as well as strange for the little touches here and there in correspondence to its unique setting.

It is especially noteworthy because we can consider it a transition of their style, the characters are more oval and “moe” (to assign them a term), in contrast to the richly detailed backgrounds and of course, the fantastic look. It was released at the end of 2013, perfectly understandable when we know that the following year, Asano would start his next big project: Dead Dead Demon's Dedededestruction.

Itoshi no Kengo

Published in a tribute compilation to Kengo Hanezawa, a seinen mangaka best known for Boys on the Run and I Am a Hero. Barely two pages long, in which Inio inserts herself as a Manga Groupie who has a fleeting relationship with the author, there is nothing remarkable except to imagine what Kengo's expression must have looked like when reading Asano's Fan Fiction.

Español

Como implica el nombre, es una compilación de One Shots que publicó Inio Asano en diferentes revistas y colaboraciones entre 2010 y 2018. Algunos cuentan con su propia entrada en este sitio, en el que diferentes s le han escrito su respectiva reseña, en este caso dedicaré un par de párrafos, a lo mucho, a cada One Shot. No realizaré una calificación particular por historia, la nota del volumen anexa a la reseña puedes considerarla como un “promedio” que le doy a cada particular, si no es esa nota es cercana sea superior o inferior.

Bakemono Recchan

El relato más reconocido de la antología, a comparación de cualquiera de los otros, tiene más reseñas y comentarios. Su estilo se ubica en esa transición del Asano de Punpun y de DDDD, es decir, personajes de aspectos realistas aún dentro de su aspecto fantástico como la aludida Recchan, mientras que el resto de alumnos son visualmente más redondos, con una considerable variedad de cuerpos, en línea con el segundo manga, en ese momento en publicación.

Una historia de discrimación y de reflexión sobre la hipocresía, acerca del trato hacia otros donde se desdibuja la consideración como personas para clasificarlos de “entretenimiento”. Es directo en su presentación, la misma Reechan no es interiorizada, sólo podemos entenderla por medio de las relaciones que tiene con los otros, notando su alegría por socializar y el desconsuelo ante el resquebrajamiento, siendo tan humana como cualquiera.

Sin embargo, la columna vertebral es su protagonista, quien señala la hipocresía pese a que ella misma no termina de entenderse. Al final también se desmorona ante la sorpresa de no saber que responder ante el arrebato de genuinidad en quien es tan humana en su comportamiento, pese a su extraño aspecto.

Funwari Otoko

En realidad se refiere a 3 One Shots, en todos ocurre exactamente lo mismo, la diferencia es el narrador de la situación; en principio es uno omnisciente que únicamente describe los aparentes hechos, luego es la chica y el tercero es el chico. Conociendo el autor, e inclusive dentro de esta misma compilación, sorprende el tono de la historia, es una situación cómica romántica sin nada que ocultar o intuir, es exactamente lo que parece, un encuentro tontorrón y dulce.

Su mayor punto de interés es contrastar los diferentes pensamientos según sea quién esté narrando la historia, más tampoco son enrevesados, nuevamente, es sencilla, sólo produce una sonrisa de complicidad del lector. Entonces podría parecer no tener nada de especial, pero precisamente, al ser de Asano, recordaremos aquella vez que escribió desde la pura inocencia.

Toshinose

Publicado en una compilación sobre el tabaco, quién en este caso representa un mundo adulto para la impaciente adolescente de un pueblo. Tokyo es prácticamente otro país, y su tío es la única conexión con ese aire de globalidad. Es un relato sencillo de un amor adolescente que sólo puede ocurrir en esa transición en que todavía se está fascinado en lo desconocido, sin pensar en lo que actualmente se tiene. Y para haber sido un relato en un volumen de cigarrillos, estos aparecen sólo una vez, aunque precisamente con un auténtico valor emocional que ratifica su protagonismo, es una comunión entre la despedida de un amor pasado y del compromiso futuro.

Yuugatou

El One Shot más cínico de la compilación, únicamente hay desesperación y desencanto en sus diálogos, sea en el escape de lo rural donde sólo están recuerdos de una familia disfuncional, la ciudad de destino que engulle al incauto, una figura masculina obtusa e inferida de peligrosa, en contraste a la protagonista, desganada y sin aspiraciones, al punto que cualquier alternativa le parece mejor con tal de no enfrentarse a la incertidumbre.

Su presentación reafirma estos sentimientos, la mayoría transcurre en la carretera, en la que Asano realiza énfasis en las luces de los carros, creando curvas de luces extrañas y atractivas, para cuando es el amanecer es dónde el hechizo ha terminado, y la chica debe enfrentarse a lo único que puede identificar, ella misma.

D

Corto relato sobre una pareja escolar en proceso de separación, más por la inminente entrada en la adultez que por diferencias entre los dos, y la representación de esa necesidad de crecimiento es la separación con un traste de la infancia, objeto de cariño entre ambos. Una temática recurrente en Asano destilada en los elementos principales para su limitada duración. Se refleja la experticia en sus pocos diálogos, contundentes sin ápice de pretencioso, para dar con esa melancolía de las cosas que no podrán volverán a ser aunque se quiera.

Sayonara Bye-bye

Es una historia de hermanos, después de haber convivido todo el tiempo, ahora cada quien debe asumir nuevas responsabilidades teniendo en común deberes conjuntos, es decir, el cuidado de su madre. Se le da bien la construcción a Asano de historias de hermandad, dicho por él al tener una hermana mayor, y este One Shot es precisamente la reafirmación sobre el hecho.

Aún cuando al comienzo la narración parece inclinarse hacia ser indulgente con una “sección”, se desenvuelve para presentar que sólo es la inesperada carga de enfrentar responsabilidades mientras se asume una nueva compañía o estar solos. La conversación trivial del medio sólo es para realizar eco de lo que viven de forma inmediata, y resulta familiar para quien tenga una relación cercana del mismo estilo, en las frases de felicitación disfrazadas de indiferencia sea por orgullo o pena.

Tempest

Mi One Shot preferido de la compilación. Pese a que la obra de Asano, hasta ese punto, se desarrollaba en un marco realista, no había presentado a la vejez en primer plano, irónico considerando que sus sensibilidades podían capturar perfectamente a los dilemas de la tercera edad, y este relato confirma esa presunción.

Su presentación de un mundo distópico pero bastante aterrizado, se debe a la crisis real del envejecimiento en Japón en contraste a la caída de la tasa de natalidad sin saber como revertir la situación de forma plausible. Sus personajes envejecidos si pueden permitirse su melancolía, cinismo y pesimismo dada la irreversible situación en que se encuentran, sumado a la cantidad de años en que han vivido.

Es una historia muy compacta y sólida, su diseño de personajes es de la vertiente realista de Inio, tiene geniales es en que aprovecha a la abrumadora ciudad para disminuir los dilemas de los personajes en contraste de “la sociedad”, con un potente giro final narrativo acompañado de una perfecta presentación visual. Seguramente con el tiempo, y la todavía vigente duda de que va a realizar como nación Japón, se le mencionará todavía más a este relato.

Natsu no Nioi wa Mahou Shoujo wo Nido Korosu

Nuevamente el paso del tiempo que es contrastado en su percepción entre la ciudad y el pueblo, el primero viendo un encanto exótico en el segundo, una especie de escape sin consecuencias, mientras que los habitantes del poblado se sienten atrapados en una realidad casi cíclica. Así es la pareja protagónica, él casado queriendo pasar un tiempo a solas sin responsabilidades, aún a costa de ella, quien le envidia a la vez que le extraña, no sabe si a él, o al recuerdo que tenía de él.

Pese a que ocupa únicamente un par de es, aún así quería destacar la presentación del elemento aludido en el título, el factor Otaku siendo un escape y recordatorio, de tiempos mejores y la promesa de un futuro, aún si al siguiente día únicamente sigue la conocida rutina.

Himawari

Bastante similar a la previa en contexto, difiriendo en sentimiento de quien ha vuelto, aquí predomina el fracaso y la decepción, quien se aventuró a escapar para luego volver por no haber sido capaz de “domar a la bestia”. Se le enfrenta con quien todavía quedó, ella consciente de sí misma y que le puntualiza sus numerosas manías, a las que se ha encerrado para no enfrentarse al resto.

Su presentación está más cercana a los anteriores One Shots, y de Oyasumi Punpun, con los es en presentación del vacío del protagonista, y sus obsesiones. Es un relato palpable de rabia y decepción, sin nadie evidente a quien culpar, más allá de su debilidad de no sobreponerse a su situación.

Kinoko Takenoko

El título es una referencia a “casi” lo mismo, me refiero a la batalla entre dos de los snacks más populares en Japón, el Kinoko y el Takenoko, puedes buscarlo tal cuál en Youtube si no estás al corriente. Asano lo reimagina en un enfoque bélico entre dos naciones, con unos cuántos toques “fantásticos” en su presentación realista, la combinación entre ambos produce es singularmente geniales, nos resultan conocidos dado a nuestra costumbre a fotografía de guerra a la par de extraños por los pequeños toques aquí y allá en correspondencia a su singular ambientación.

Es especialmente destacable porque podemos considerarlo una transición de su estilo, los personajes son más ovalados y “moe” (por asignarles un término), en contraste con los fondos de abundante detalle y por supuesto, el aspecto fantástico. Fue publicado a finales de 2013, perfectamente entendible cuando sabemos que el año siguiente, Asano comenzaría su siguiente gran proyecto: Dead Dead Demon's Dededededestruction.

Itoshi no Kengo

Publicado en una compilación homenaje a Kengo Hanezawa, mangaka seinen reconocido, sobre todo, por Boys on the Run y I Am a Hero. Apenas dura dos páginas, en ellas Inio se autoinserta como una Manga Groupie quien tiene una fugaz relación con el autor, no hay nada destacable excepto imaginarme cómo era la expresión que debía tener Kengo al leer el Fan Fiction de Asano.

The following review is in Spanish and English (translated with the of DeepL).

The version read is the Spanish translation by “Clockwise Fansub”

It is another of the works published while Asano had as main project Oyasumi Punpun, and in a way can be seen as an approach to different ideas mentioned in that one, in turn has similarities with multiple features of his previous works. Be it the attempt of connection between people, the feeling of anguish in the face of a future that cannot wait and the effort to overcome a past that is still in force.

The two main characters build a relationship based ... on complementing their shortcomings, which does not imply harmony, it is only connection in instances of need, the boy needs affirmation and finds it in someone who recognizes his existence, the girl in establishing a relationship that allows her to overcome the previous one, to temporarily forget the feeling of emptiness and uncertainty.

As the narrative and relationship center is the sexual dawn between the two, it is established as the form of connection between the two that does not imply a deeper establishment or commitment, even though in the ing of the chapters it is increasingly evident in the expressions, credit to Asano's talent, of the longing for the construction of a sentimental relationship in furtive glances, of words to say but not said because of what the change would imply, and if it happened it would be too late for each one of them.

Inio has never shied away from the sexual presence in his stories whenever he deems it necessary, the difference of this work with respect to the previous ones is to have centrally that element. Apart from the aforementioned intentions, the sexual act is a sincere presentation of personal discovery and of the other, far from erotic connotations, that is, the positioning, drawing and detail is not for the enjoyment of the reader (separating it from Hentai manga) but in the raw presentation of two young people in a bodily understanding.

Nor can its metaphors be reduced only to this element, the story has other elements that it uses for representation, such as text messages to mask intentions or instead, be more sincere, in the same vein the blog to acquire a role that gives meaning to existence, or the sea, of precisely the opposite idea to the main narrative thread of the story, regardless of the ups and downs of life, there is a constant element superior to the rest, prior to the narrative and subsequent to it.

However, the similarities with previous works are also presented in its flaws, its realistic representation goes once in a while into the cynical and cryptic without little grace, present in the dialogues that stand out unfavorably when compared to similar ones within the same chapter, usually in secondary characters that stripped of that protagonism, ironically behave and express themselves with that realism aspired by Inio.

However, there is an intrinsic feeling that alleviates this harshness and it is the genuineness in several of its s. Not only those of an everyday reality, in the same dramatic moments there are expressions that, without the need of having some pretentiously interesting phrase, excellently demonstrate the interweaving of the character's feelings. And that is when the artistic vision of the story that drives his narrative is best absorbed.

In of drawing, it is one of his best works considering its brevity and presentation in consideration of the theme, the positioning of the characters is perfect whether in everyday life, dramatic and sexual moments. The backgrounds are full of detail for the construction of a coastal town whose main characteristic is to be as common as any other similar, reinforcing the intentionality of representing any story, capable of happening anywhere.

Because essentially that is the best feature of the story, despite my criticisms of its dialogue in some parts, and a bit in the actions of the characters in the final phase, its raw representation achieves precisely the empathy of the narrative because even if it is devoid of the attitudes or circumstances of the characters, the raw sexual discovery and exploration does have the capacity (almost universal) to connect with the reader, as even more so are the yearnings to continue discovering who we are and what we aspire to achieve.

Español

Es otro de los trabajos publicados mientras Asano tenía como proyecto principal a Oyasumi Punpun, y en cierto modo puede verse como un abordaje de diferentes ideas mencionadas en aquel, a su vez tiene similitud con múltiples características de sus trabajos previos. Sea el intento de conexión entre personas, la sensación de angustia ante un futuro que no da espera y el esfuerzo en la superación de un pasado todavía vigente.

Los dos personajes principales construyen una relación basada en complementarse sus carencias lo cuál no implica armonía, únicamente es conexión en instancias de necesidad, el chico necesita de afirmación y la encuentra en alguien que reconozca su existencia, la chica en establecer una relación que le permita superar a la anterior, olvidar provisionalmente la sensación de vacío e incertidumbre.

Como centro narrativo y de la relación está el amanecer sexual entre ambos, se establece en ser la forma de conexión entre los dos que no implique un establecimiento ni compromiso más profundo, aún cuando en el pasar de los capítulos es cada vez más patente en las expresiones, crédito del talento de dibujante de Asano, de las ansias de la construcción de una relación sentimental sea en miradas furtivas, de palabras a decir más no dichas por lo que implicaría el cambio, y de suceder sería demasiado tarde para cada uno.

Inio nunca ha rehuido de la presencia sexual en sus historias cada vez que lo considere necesario, la diferencia de esta obra respecto a las anteriores es tener centralmente ese elemento. Aparte de las intenciones mencionadas, el acto sexual es una presentación sincera del descubrimiento personal y del otro, lejos de connotaciones eróticas, es decir, el posicionamiento, dibujo y detalle del actor no es para el disfrute del lector (separándolo del manga Hentai) sino en la presentación cruda de dos jóvenes en un entendimiento corporal. 

Ni tampoco se pueden reducir únicamente sus metáforas a este elemento, la historia tiene otros elementos que utiliza para representación, como los mensajes de texto para enmascarar intenciones o en cambio, ser más sinceros, en la misma vena el blog para adquirir un papel que dé significado a la existencia, o el mar, de precisamente la idea contraria al hilo narrativo principal de la historia, sin importar los vaivenes de la vida, existe un elemento constante superior al resto, anterior a la narrativa y posterior a la misma.

Sin embargo, las similitudes con trabajos previos también se presenta en sus defectos, su representación realista se adentra una que otra vez en lo cínico y críptico sin poca gracia, presente en los diálogos que destacan desfavorablemente al compararlos con similares dentro del mismo capítulo, usualmente en personajes secundarios que despojados de ese protagonismo, irónicamente se comportan y expresan con ese realismo aspirado por Inio.

No obstante, sí hay un sentimiento intrínseco que alivia esa dureza y es la genuidad en varios de sus es. No sólo aquellos de una realidad cotidiana, en los mismos momentos dramáticos se encuentran expresiones que sin necesidad de tener alguna frase pretendidamente interesante, demuestran excelsamente el entresijo de sentimientos del personaje. Y es ahí cuando mejor se absorbe la visión artística de la historia que conduce su narrativa.

A nivel de dibujo es de sus mejores trabajos considerando su brevedad y presentación en consideración de la temática, el posicionamiento de los personajes es perfecto sea en la cotidianidad, momentos dramáticos y sexuales. Los fondos están llenos de detalle para la construcción de una pueblo costero cuya característica principal es ser tan común como cualquier otro similar, reforzando la intencionalidad de representar una historia cualquiera, capaz de suceder en cualquier parte.

Porque esencialmente esa es la mejor característica de la historia, aún pese a mis crítica respecto a su diálogo en según que partes, y un poco en las acciones de los personajes en la fase final, su representación cruda consigue precisamente la empatía de la narrativa porque aún si se está carente de las actitudes o circunstancias de los personajes, el descubrimiento sexual crudo y de exploración si tiene la capacidad (casi universal) de conectar con el lector, como todavía más lo son las ansías de seguir descubriendo que somos nosotros y que aspiramos conseguir.

The following review is in Spanish and English (translated with from DeepL).

The version read is the Spanish translation by “Naik-Sama” of "Knights Mighty.

It can be classified as part of that “sub-genre” of school romantic comedy with short chapters dedicated to the daily life between a boy and a girl based on the same joke or interaction. In this case the thematic center constitutes the “good sleep”, Saeki-san, the girl, has the habit of sleeping in the class after lunch without any other student or the teacher suspecting it, only her classmate Tokomiya, the boy, notices it.

At the beginning, the chapters only take place at ... school and in the classroom, but as the relationship between the two becomes closer, new scenarios will appear, either in other school spaces or outside the school. In fact, I must highlight the dedication of Haruhara Robinson, the writer, for the effort to explore such a simple premise in different scenarios and details, even without intending it, as a reader you will learn different curious facts about sleeping or embark on considering the possibilities of taking a nap in unsuspected places.

There is a slightly explored romantic factor, simmering as it happens in this kind of stories, and its comedy is quite innocent, apart from a few boob jokes, most of the punch lines will be about the absurdity Saeki goes to in order to get his longed-for afternoon nap.

Still only to a certain extent could he get Robinson's effort, eventually he introduces more characters and subplots to justify one or another chapter, and inevitably we come to his premature end, I don't know if it was the author's decision or if he received the ultimatum, the more I understand why it happened, although what existed can be validated to a certain extent, it can only be so within a limit.

For the draw we have You Kokikuji who is within the standards of similar stories, with that eye-catching and clean drawing, a correct positioning to express his comedy, which altogether has given me different s that I like to send in my daily life, which will get persist in my memory.

Español

Puede clasificarse como parte de ese “subgénero” de comedia romántica escolar con capítulos de corta duración dedicados a la vida cotidiana entre un chico y una chica basados en una misma broma o interacción. En este caso el centro temático constituye el “buen dormir”, Saeki-san, la chica, tiene por costumbre dormir en la clase posterior al almuerzo sin que ningún otro estudiante ni el profesor sospechen, únicamente su compañero Tokomiya, el chico, se da cuenta. 

En principio los capítulos únicamente ocurren en la escuela y en el salón, conforme la relación entre ambos se vuelve más estrecha nuevos escenarios irán apareciendo sean otros espacios escolares o por fuera de la misma. De hecho, debo destacar la dedicación de Haruhara Robinson, el escritor, por el empeño en explorar tan sencilla premisa en diferentes escenarios y detalles, aún sin pretenderlo, como lector aprenderás diferentes hechos curiosos acerca del dormir o embarcarte en considerar las posibilidades de tomar una siesta en lugares insospechados.

Hay un factor romántico explorado levemente, a fuego lento como sucede en este tipo de historias, y su comedia es bastante inocente, aparte de unas pocas bromas de pechos, la mayoría de remates serán sobre el absurdo al que llega Saeki para conseguir su anhelada siesta vespertina.

Aún así sólo hasta cierto punto podía conseguir el esfuerzo de Robinson, eventualmente introduce más personajes y subtramas para justificar uno que otro capítulo, e inevitablemente llegamos a su final prematuro, desconozco si fue decisión del autor o si recibió el ultimátum, más comprendo porque sucedió, aunque lo que existió puede ser validado hasta cierto punto, sólo puede serlo dentro de un límite.

De dibujante tenemos a You Kokikuji que está dentro de los estándares de historias similares, con ese dibujo vistoso y limpio, un posicionamiento correcto para expresar su comedia, que en conjunto me ha brindado diferentes es que me gusta mandar en mi vida cotidiana, que conseguirá persista en mi recuerdo.

The following review is in Spanish and English (translated with the of DeepL).

The version read is the Spanish translation by “EdoEPM” of “Soloist”.

Sakamoto's acclaimed work begins precisely when Sakamoto is completely in charge of it. At the beginning he is only the artist, it is after the departure of Yoshio Nobeta from the project that he is established as the scriptwriter, from that point the work abandons the few conventional quarrels it still had and embarks on a more personal narrative.

Which was ideal for the approach of the project, the biography is typically built with snippets of the person to build a coherent narrative ... in something immensely complex as is the testimony of an existence, and the work is no exception to the rule, the difference is that its value is not built on a presentation of characters that we will see grow in parallel with the protagonist, we will only have him as a constant, him and his loneliness.

It is an ideal convergence of theme with context, Buntarou's loneliness exposed in mountaineering, a discipline that has two perspectives on it, on the one hand, the human being in absolute solitude in environments where he is not allowed to be, while given the extreme nature of the practice going in company is the norm, having each other's backs.

And it is along these lines that the story unfolds, in Mori's tug-of-war with his loneliness and the necessary and inevitable connection with others. City and mountain are presented in parallel as dangerous environments for those who are alone, the difference being the protagonist's preference for the latter because that is the only place where he finds himself.

Nor does it infer that the mountain is presented as a permissive environment to its visitors, again, the normal is the company because it is merciless and unpredictable. Death is a constant in the story, mountaineers are victims of the elements, accidents and unforeseen events, the protagonist himself, even with his great skill and cautious attitude, is exposed to this fortuitous blow of fate.

Neither is death in a positive light, in the mountain death is in solitude, the disappearance of a body or its disfigurement, there will be little or nothing left to see for those who were left behind waiting for its return. It is aligned with the main intention, to approach solitude in appreciation, especially in its contemplative moments, having its natural environments as a background, but not to exalt it.

The work is composed of different time jumps, several of the protagonist's accomplishments are not presented, it is only constituted of punctual moments around its main theme, represented either in the escalation that is the human connection especially in the most inhospitable environments, the difficulty of establishing empathy with a stranger, or overcoming the continuous betrayals. Towards its final stretch it has an expected development, given that stories about loneliness and connection ideally end at the same point, however, it has one quality that sets it apart from similar ones, and that is the application of its drawing.

What is immediately remarkable is Sakamoto's immense talent as a draftsman, in a story with an emphasis on natural landscapes, inhospitable in immense heights, almost becomes a requirement for a presentation at the height of the demand, more than reciprocated by the artist. Whether in a strictly naturalistic sense, with the presentation of vast landscapes with snowy peaks, huge stone walls, and the extension of a view immersed in the horizon, or in a poetic appreciation in which the impressive landscape is intermingled with the vision of the protagonist, with boreal clouds, and an almost religious concealment given the perfection of the environment.

But there is another genius of the author, and it is the application of visual metaphors, corresponding to the illustrated existence as a story because the difference with the novel is precisely to make an adaptation not only presentation, but representation. A few examples are Mori of monster reflecting his discomfort in open environments, ghosts that haunt him on the climb or the division of his body in two between those who crave solitude and those who want to return to the connection he has managed to establish.

And in the same sense, there are different narrative elements that converge in his narrative, achieving that a story of loneliness and sport allows readings and reflections of more than enough interest for those who want to extend in analysis about it, whether in characters or artistic decisions, represented in the importance of each element however small it may seem, the snow that does not let you see only what is immediately close to bring the reader closer to the experience that the protagonist goes through, or the perspective view of the mountain in which only a rope on the stone wall can be distinguished.

I also want to highlight the emphasis placed on the body because the naturalistic and detailed dedication of his landscapes is usually praised, but so should be his representation of the male body toned for the extreme conditions. Reminiscent of Greek statues and anatomical studies, the strength of the muscles, tension of the tendons, reflection of training and dedication are equally impressive, especially when used in these metaphorical s for the explanation of different dilemmas and emotions.

Nor should we overlook his sense of positioning and construction of s, applying almost all the existing techniques of the comic, be it contraposition or achievement, denoting the work in planning each chapter in itself and within the story. Again, to further punctuate the reflection on the immersed feeling of the moment.

And the careful detail around the climbing, there are numerous technical explanations about the methods and materials used professionally, also in the different ways of climbing in which each element at your disposal is used, and of personal note, the interest on the small amount of elements to carry in the climbs of high demand in order to lighten the weight. Altogether they achieve robustness on the credibility of the story.

Kokuo no Hito has deserved the recognition it has achieved, it is a representation in full form of the medium, because its quality does not reside only in the story, on the contrary, a known narrative is elevated by the skill of its writer and illustrator to explore it in an intimate way through visual symbols and impressive landscapes, making the reader even closer to the reflection because will not only have read it, has seen it due to the dedication of the illustrator, and if did his part, has also lived it.

Español

La aclamada obra de Sakamoto comienza precisamente cuando Sakamoto está completamente a cargo de la misma. En principio sólo es el dibujante, es tras la partida de Yoshio Nobeta del proyecto en que él es establecido como guionista, desde ese punto la obra abandona las pocas rencillas convencionales que todavía tenía y se embarca en una narrativa más personal.

Lo cuál le venía ideal al enfoque del proyecto, la biografía típicamente se construye con retazos de la persona para construir una narrativa coherente en algo inmensamente complejo como es el testimonio de una existencia, y la obra tampoco es una excepción de la norma, la diferencia es que su valor no se construye en una presentación de personajes que veremos crecer paralelamente junto al protagonista, únicamente le tendremos a él de constante, a él y su soledad.

Es una convergencia ideal de temática con contexto, la soledad de Buntarou expuesta en el montañismo, una disciplina que tiene dos perspectivas respecto a la misma, por un lado, al ser humano en absolutamente solitario en entornos donde no le está permitido estar, a la vez que dada la naturaleza extrema de la práctica ir en compañía es lo normativo, cuidarse la espalda unos a los otros.

Y en esa línea se expone la historia, en el tira y afloja de Mori con su soledad y la necesaria e inevitable conexión con los demás. Ciudad y montaña se presentan paralelamente de entornos peligrosos para quién esté solo, la diferencia es la preferencia del protagonista por el segundo porque únicamente ahí es cuando más se encuentra consigo mismo.

Tampoco infiere que la montaña sea presentada como un entorno permisivo a sus visitantes, nuevamente, lo normal es la compañía porque es despiadada e imprevisible. La muerte es una constante en la historia, alpinistas son víctimas ante los elementos, accidentes e imprevistos, el mismo protagonista aún con su sobrada habilidad y actitud precavida, está expuesto a ese golpe fortuito del destino. 

Ni está en una luz positiva la muerte, en la montaña la muerte es en soledad, la desaparición de un cuerpo o su desfiguración, no quedará o queda poco de ver para quienes quedaron atrás esperando su regreso. Está alineada con la intención principal, abordar la soledad sea en apreciación, especialmente en sus momentos contemplativos teniendo de fondo a sus ambientes naturales, más tampoco enaltecerla.

La obra está compuesta de diferentes saltos temporales, varias de las hazañas del protagonista no son presentadas, únicamente se constituye de momentos puntuales alrededor de su temática principal, representada sea en la escalada que es la conexión humana especialmente en los entornos más inhóspitos, la dificultad de establecimiento de la empatía con un desconocido, o la superación de las continuas traiciones. Hacia su recta final tiene un desarrollo esperable, dado a que las historias sobre soledad y conexión idealmente terminan en el mismo punto, sin embargo, tiene una cualidad que le destaca sobre similares, y es la aplicación de su dibujo.

Lo inmediatamente notable es el inmenso talento de Sakamoto como dibujante, en una historia con énfasis en los paisajes naturales, inhóspitos en inmensas alturas, casi se convierte en requerimiento una presentación a la altura de la exigencia, correspondido sobradamente por el artista. Sea en un sentido estrictamente naturalista, con la presentación de amplios paisajes con picos nevados, enormes muros de piedra, y la extensión de una vista sumergida en el horizonte, o en una apreciación poética en que el impresionante paisaje se entremezcla con la visión del protagonista, con nubes boreales, y un encubrimiento casi religioso dada la perfección del entorno.

Más hay otra genialidad del autor, y es la aplicación de metáforas visuales, correspondiendo a la existencia ilustrada como historia porque la diferencia con la novela es precisamente hacer una adaptación no de únicamente presentación, sino representación. Unos pocos ejemplos son Mori de monstruo reflejando su incomodidad en entornos abiertos, fantasmas que le acosan en la escalada o la división de su cuerpo en dos entre quien ansía la soledad y el que quiere regresar a la conexión que ha conseguido establecer.

Y en el mismo sentido, hay diferentes elementos narrativos que convergen en su narrativa, consiguiendo que una historia de soledad y deporte permita lecturas y reflexiones de sobrado interés para quien quiera extenderse en análisis acerca de la misma, sea en personajes o decisiones artísticas, representado en la importancia de cada elemento por nimio que parezca, la nieve que no deja ver sino lo inmediatamente cercano para acercar al lector a la experiencia por la que pasa el protagonista, o la visión en perspectiva de la montaña en el que sólo se distingue una cuerda en el muro de piedra.

También quiero destacar el énfasis realizado hacia el cuerpo porque usualmente es alabada la dedicación naturalista y detallada de sus paisajes, más también debería serlo su representación del cuerpo masculino tonificado para las extremas condiciones. Recordando a estatuas griegas y estudios anatómicos, la fuerza de los músculos, tensión de los tendones, reflejo del entrenamiento y dedicación son igual de impresionantes, especialmente cuando son utilizados en esos es metafóricos para la explicación de diferentes dilemas y emociones.

Tampoco se debe dejar pasar su sentido del posicionamiento y construcción de es, aplicando casi todas las técnicas existentes del cómic sea contraposición o consecución, denota el trabajo en planificar cada capítulo en sí mismo y dentro la historia. Nuevamente, para puntualizar todavía más la reflexión sobre el sentimiento inmiscuido del momento.

Y el cuidado detalle alrededor de la escalada, hay numerosas explicaciones técnicas acerca de los métodos y materiales usados profesionalmente, también en las diferentes formas de escalar en que se aprovecha cada elemento a su disposición, y de acotación personal, el interés que me genero sobre la poca cantidad de elementos a llevar en las subidas de alta exigencia con tal de aligerar el peso. En conjunto consiguen robustez sobre la credibilidad del relato.

Kokuo no Hito tiene merecido el reconocimiento que ha conseguido, es una representación en plena forma del medio, porque su cualidad no reside en únicamente la historia, al contrario, una narrativa conocida es elevada por la destreza de su escritor y dibujante al explorarla de forma íntima a través de símbolos visuales e impresionantes paisajes, volviendo todavía más cercano para el lector la reflexión porque no únicamente la habrá leído, la ha visto debido a la dedicación del dibujante, y si puso de su parte, también la ha vivido.

The following review is in English and Spanish (translated with the of DeepL)

The version read is the Spanish licence by "Norma Editorial"

Fujimoto's first serialization was in Shonen Jump+, and while he had some popularity at the time, which influenced his next work to make the jump to the main magazine, most of his readers and fans have discovered it in hindsight, that is, curiosity having read Tatsuki's most famous work and wondering about the predecessor. That was my case too, so in a way I was “prepared”, which in itself causes me some “pity”, I missed the bewilderment his fans ... must have had at the time.

And I'm not referring to violence or the like, but to the narrative itself. Whether with this work or Chainsaw Man, as you read on, you understand that you are unable to know where the story is going. The known rules about the construction of a story are broken, and broken with rage, the character that seemed important dies in the next chapter, the arc that was going to one direction goes to a completely different one, the lesson learned is immediately questioned; in a simile with respect to the protagonist you are only left to continue to know what the next chapter has in store.

I did not insinuate improvisation, or that Tatsuki intends to shock by merely doing it, as you read you understand that the author's intention has always been clear and consistent since his first chapters, to live for the sake of doing it, for those we knew, know and will know. Fujimoto uses different symbols and themes to spice up this path, in his world made up of lies, we come across existential, transhuman and even religious symbols, ultimately used to give more impact and some other reading to the events, but they are not addressed nor are they equally important compared to his humanist core.

This is how the narrative approach is understood, it is not interested in making us participants of the world or explaining each of its mechanisms or dynamics, we will only be witnesses of Agni's journey, his crusade to understand the world in which he exists. Linked to the convergence of pain, the hope of tomorrow and the understanding of the incomprehensible, are the films presented through a secondary character, a marked cinematic presence that we would see again in some of his next works.

In Fire Punch, film, i.e. cinema, is used as a way to give meaning to seemingly inconsistent events by asg them a narrative structure with defined characters. Whether in its literal or metaphorical analysis, the function of cinema is a way to understand our human condition, a narrative play to “meta” with its own narrative condition.

Which provides the basis for several comic moments that alleviate the constant pain and suffering, it is at this point that many qualify the work as “Edgy” and I understand that reasoning, but knowing the pretension of the work to teach about the value of life and the value of living it, I understand that it must go to the extreme of the imaginable to convey hopelessness. And furthermore, I believe that someone who would only dedicate himself to “shock for the sake of shock” would be incapable of constructing several of the scenes of the secondary characters in which their most personal dilemmas are explored, such as identity, where their fears and aspirations are revealed without pretense or pretensions, they are only sincere verbal expressions.

In this work Fujimoto's lack of understanding about what is acceptable or not in a heroic story is evident; incest, cannibalism, revenge, connection, hope, courage, interconnected by the same medium, rage, a rage in force since the first tragedy, a rage that consumes until the end, which is faced and seems to overcome to return with more strength and anger, which coexists along with its humanist message, and hence becomes the fit of its elements.

His ending is the most questionable thing, to what extent it is accepted by the reader is very dependent on the position of the reader in relation to what he expected by his narrative, and in my case, it has seemed to me precisely the unexpectedly predictable. I value more the exhibition of the pure Fujimoto instead of something more distilled, because it is still present the author's seal of identity that has taught us from the first chapters, so it is not out of tune with itself.

His drawing is the improvement of the style present in the One Shots immediately prior to the serialization. Recognizable facial expressions ideal to represent the wide repertoire of emotions of the different characters in their various moments, in the packaging and sense of rhythm of the action-focused is variant, has spectacularity in the destruction and violence, while it can become coarse at certain times. More considering the scope of the work, and all the different moments in it, highlights its presentation for each particular, whether in the most personal moments in which isolates the character to let him be, while in the battles varies the angle depending on which best represents the impact and the brute force of the movement.

Fujimoto's first work I still consider the most genuine in of his own feelings, while in others there is a reflection about relationships, his work and the process of creation, in Fire Punch it is about himself without having to respond to a pressure or fanatical expectation, although he surely had to respond to the magazine, he had the advantage of a place of publication with more freedom to present that anger in the way he wanted. A perfectly imperfect work, it still is.

Español

La primera serialización de Fujimoto fue en la Shonen Jump+, y si bien en su día tuvo cierta popularidad, que influyó a que su próxima obra diera el salto a la revista principal, la mayoría de sus lectores y fanáticos lo ha descubierto en la retrospectiva, es decir, la curiosidad al haber leído la obra más famosa de Tatsuki y preguntarse acerca del predecesor. También fue mi caso, así que en cierto modo “estaba preparado”, lo que en sí mismo me causa cierta “lástima”, me perdí el desconcierto que debieron tener sus seguidores en ese momento.

Y no me refiero a la violencia ni similares, sino a la narrativa en sí misma. Sea con esta obra o con Chainsaw Man, conforme vas leyendo entiendes que eres incapaz de saber hacia dónde se dirige la historia. Las sabidas normas acerca de la construcción de un relato son rotas, y rotas con rabia, el personaje que parecía importante muere en el siguiente capítulo, el arco que iba a un dirección se dirige a otra completamente diferente, la lección aprendida es inmediatamente cuestionada; en un símil con respecto al protagonista sólo te queda continuar para saber qué depara el siguiente capítulo.

No insinuó improvisación, o que pretenda impactar por meramente hacerlo, conforme lees comprendes que la intención del autor siempre ha sido clara y consistente desde su primeros capítulos, vivir por el bien de hacerlo, por quienes conocíamos, conocemos y conoceremos. Fujimoto utiliza diferentes símbolos y temáticas para aderezar este camino, en su mundo conformado de mentiras, nos topamos con símbolos existenciales, transhumanos y hasta religiosos, en últimas utilizados para darle más impacto y alguna que otra lectura a los sucesos, pero no son abordados ni son igual de importantes a comparación de su núcleo humanista.

Así se comprende al enfoque narrativo, no está interesado en hacernos partícipes del mundo ni explicarnos cada uno de sus mecanismos ni dinámicas, sólo seremos testigos de la travesía de Agni, su cruzada por comprender el mundo en el que existe. Ligado a la convergencia del dolor, la esperanza del mañana y entendimiento de lo inentendible, se encuentran las películas presentadas a través de un personaje secundario, una marcada presencia cinematográfica que volveríamos a ver en algunas de sus próximas obras.

En Fire Punch, la película, es decir, el cine, es utilizado como una forma de dar significado a los sucesos aparentemente inconsistentes a través de asignarle una estructura narrativa con personajes definidos. Sea en su análisis literal o metafórico, la función del cine es una vía para comprender nuestra condición humana, un juego narrativo hasta “meta” con su propia condición de narración. 

Lo cuál brinda la base para varios momentos cómicos que alivian en algo a la constante de dolor y sufrimiento, es en este punto que varios califican la obra de “Edgy” y comprendo ese razonamiento, más sabiendo la pretensión de la obra en aleccionar acerca del valor de la vida y el valor de vivirla, entiendo que debe llegarse al extremo de lo imaginable para transmitir la desesperanza. Y además, considero que alguien que únicamente se dedicará a “impactar por impactar”, sería incapaz de construir varias de las escenas de los secundarios en que se exploran sus dilemas más personales, como la identidad, donde sus temores y aspiraciones se desvelan sin aleccionamiento ni pretensiones, sólo son expresiones verbales sinceras.

En esta obra queda patente el desentendimiento de Fujimoto acerca de lo que es aceptable o no en una historia heroica; conviven en sus páginas incesto, canibalismo, venganza, conexión, esperanza, valor, interconectados por el mismo medio, la rabia, una rabia vigente desde la primera tragedia, una rabia que consume hasta el final, que se enfrenta y parece superarse para volver con más fuerza e ira, que convive a la par de su mensaje humanista, y de ahí se convierta en el encaje de sus elementos.

Su final es lo más cuestionable, hasta qué punto sea aceptado por el lector es muy dependiente de la posición del mismo en relación a lo que esperaba por su narrativa, y en mi caso, me ha parecido precisamente lo inesperadamente previsible. Valoro más la exhibición del puro Fujimoto en vez de algo más destilado, porque sigue presente el sello de identidad de autor que nos ha aleccionado desde los primeros capítulos, por lo tanto tampoco está fuera de tono respecto a sí mismo.

Su dibujo es el perfeccionamiento del estilo presente en los One Shots inmediatamente previos a la serialización. Reconocibles expresiones faciales ideales para representar el amplio repertorio de emociones de los diferentes personajes en sus varios momentos, en el enmaquetado y sentido del ritmo del enfocado a la acción es variante, tiene espectacularidad en la destrucción y violencia, a la vez que puede hacerse tosco en según qué momentos. Más considerando el alcance de la obra, y todos los diferentes momentos en ella, destaca su presentación para cada particular, sea en los instantes más personales en los que aísla al personaje para dejarle ser, mientras que en las batallas varía de ángulo según el que represente mejor el impacto y la fuerza bruta del movimiento.

El primer trabajo de Fujimoto lo sigo considerando el más genuino en cuánto a sus propios sentimientos, si bien en otros hay una reflexión acerca de las relaciones, de su trabajo y del proceso de creación, en Fire Punch es acerca de él mismo sin aún tener que corresponder a una presión ni expectativa fanática, sí bien seguramente debía responder a la revista, tenía la ventaja de un lugar de publicación con más libertad para presentar esa rabia de la forma en que quería. Un trabajo perfectamente imperfecto, todavía lo sigue siendo.

The following review is in English and Spanish (translated with the of DeepL)

The version read is the English translation by “Bakemono-Recchan” and edited by “M3OW”.

While Asano was embarking on his most popular work, from time to time he published chapters of other series with varied themes, in the case of the particular one it can be considered as his most experimental work up to that moment either in the form, presentation or the structure of its narrative; First of all we come across a “gag manga”, few s that revolve around a joke, usually presented in 4koma, however, in the case of Ozanari-kun it ... usually occupies between 2 to 4 pages with a couple of exceptions.

Apart from their length, in fact, what is immediately remarkable is their color presentation. Greens, yellows, purples or blues, uncommon tones are used in each chapter, I consider that associating them individually with some emotion is a bit of an “overthought” exercise, but they do not seem to be directed at random, they are selected in a harmonious way as far as possible from the bizarre, punctuating the general atmosphere of the scene whether a ridiculous or sensitive event takes place. With a couple of chapters we will get used to it and appreciate it.

Next is his character design, close to his cartoon drawings that we have noticed in some moments in other works. Geometric figures with the necessary details to be expressive through exaggeration, or to reflect different personality traits just by implementing a couple of changes in accessories or costumes. And of course, they fit perfectly in their color presentation, each one corresponding to the other, without knowing which came first.

Topped off in the intermingling of different styles, photo clippings accompany the landscape from time to time, a more plastic, close and miscellaneous touch, again ratifying being an “experimental” work. Trying out different techniques and ideas through the freedom allowed by the narrative, which begins only as a joke and changes little by little as Asano shows more of himself.

In principle they are exaggerated archetypes conducive to exaggerated exchanges for surreal, absurd or very Japanese humor, the manzai with the roles of Boke and Tsukomii, each hyper-focused on his specific role. Here it connects or not with the joke, although you can appreciate how intricate some of them are, but for the most part they require general knowledge of Japanese to grasp all their implications (special thanks to the translation I read, which made from time to time detailed explanations of the different references).

But as I mentioned, from a certain point one of Asano's recurring themes enters the coalition, settling a bit into the narrative: Music, specifically Rock. The genre of youth, serving as a comparison between the clinging youth and the nostalgic adult. Linking back to the lessons of previous works with a less serious approach, though just as sincere and even better achieved (than some) by that lack of restraint.

Music being motivation to live our existence, even if it is far from our reverie, because it allows for a certain moment to escape from it and belong for a few moments to something vaguely descriptive as “bigger”. It is those final chapters where I recognized the Asano I know, his experimentation and variety lead to the same vitalistic lesson that each work contains behind its cynical presentation, but at least this time the darkness was accompanied by that varied palette of colors.

Anyway, my impression drags a bit because that first part, even appreciating the layers of reference, is still not my mood and it inevitably upsets my consideration, no matter how objective the opinion may be, inevitably I am still me. As I would also have preferred that exploration of music and art as a motivation for vitality to be addressed a little more, taking advantage of the few barriers of the work.

An interesting work by Asano through elements that he had not used so far, seasoned with the themes that he likes so much, having another novelty in itself, linking a nostalgic adult world but willing to keep trying against the young man who is preparing for that inevitable future, both sharing the same feeling in a similar memory, the hope that a song produced in them.

Español

A la par que Asano estaba embarcado en su obra más popular, de tanto en tanto publicaba capítulos de otras series con variadas temáticas, en el caso de la particular se le puede considerar como su trabajo más experimental hasta ese momento sea en la forma, presentación o la estructura de su narrativa; Ante todo nos topamos con un “gag manga”, pocos es que giran alrededor de una broma, usualmente presentados en 4koma, sin embargo, en el caso de Ozanari-kun suele ocupar entre 2 a 4 páginas con un par de excepciones.

Aparte de su duración, de hecho, lo inmediatamente notable es su presentación a color. Verdes, amarillos, morados o azules, tonos poco comúnes son utilizados en cada capítulo, considero que asociarlos individualmente con alguna emoción es un ejercicio un poco “sobrepensado”, más tampoco parecen dirigidos al azar, son seleccionados de una forma armoniosa en lo que cabe de lo estrambotico, puntualizando la atmósfera general de la escena sea si sucede un hecho rídiculo o sensible. Con un par de capítulos nos habremos acostumbrado y lo apreciamos. 

Lo siguiente es su diseño de personajes, cercano a sus dibujos cartoon que hemos notado en algunos instantes en otras obras. De figuras geométricas con los detalles necesarios para poder ser expresivos mediante la exageración, o reflejar diferentes rasgos de personalidad con sólo implementar un par de cambios al mismo sea en rios o vestuario. Y por supuesto, encajan perfectamente en su presentación a color, cada cual corresponde al otro, sin saber qué fue primero.

Rematado en la entremezcla de diferentes estilos, recortes de fotografías acompañan de vez en cuando al paisaje, un toque más plástico, cercano y misceláneo, volviendo a ratificar el ser una obra “experimental”. Probar diferentes técnicas e ideas por medio de la libertad que le permitía la narrativa, la cuál comienza únicamente de broma y cambia de a poco mientras Asano muestra más de sí mismo. 

En principio son arquetipos exagerados que propician intercambios exagerados para un humor surrealista, absurdo o muy japonés, el manzai con los roles de Boke y Tsukomii, cada uno hiperconcentrado en su específico papel. Aquí se conecta o no con la broma, aunque puede apreciarse lo intrincado que son algunas, más en su mayoría requieren de conocimiento general de japonés para captar todas sus implicaciones (agradecimiento especial al grupo de traducción que leí, los cuáles realizaron de vez en cuando explicaciones detalladas de las diferentes referencias).

Más como he mencionado, desde cierto punto una de las temáticas recurrentes de Asano entra a coalición, asentado un poco a la narrativa: La música, específicamente Rock. El género de la juventud, sirviendo como una comparación entre el joven aferrado y el adulto nostálgico. Enlazando hacia las lecciones de obras previas con un enfoque menos serio, aunque igual de sincero e incluso mejor logrado (que algunas) por esa falta de restricciones.

La música siendo motivación para vivir nuestra existencia, aún si está lejos de nuestras ensoñaciones, porque permite durante cierto momento escapar de la misma y pertenecer por unos instantes a algo vagamente descriptivo como “más grande”. Son esos capítulos finales donde reconocí al Asano que conozco, su experimentación y variedad conllevo hacia la misma lección vitalista que encierra cada obra detrás de su presentación cínica, eso sí, al menos está vez la oscuridad venía acompañado de esa variada paleta de colores.

De todas maneras, mi impresión se arrastra un poco porque esa primera parte aún apreciando las capas de referencia, sigue no siendo mi humor e inevitablemente trastoca mi consideración, sin importar que tan objetivo pueda llevar la opinión, inevitablemente yo sigo siendo yo. Como también hubiese preferido que esa exploración de la música y el arte como motivación de vitalidad se abordará un poco más, aprovechando las pocas barreras de la obra.

Un interesante trabajo de Asano a través de elementos que no había utilizado hasta el momento, aderezado de las temáticas que tanto le gustan, habiendo otra novedad en sí misma, vincular a un mundo adulto nostálgico aunque dispuesto a seguir intentado contra el joven que se prepara a ese inevitable futuro, ambos compartiendo el mismo sentimiento en un similar recuerdo, la esperanza que les produjo una canción.

The following review is in English and Spanish (translated with the of DeepL)

The version read is the English translation by “Mujin Comics”.

Masato Ashiomi is an author that I hold in special regard for his effort in constructing narratives, which while not necessarily focused on his story alone, are complex enough to provide an interesting background to the main and universal motif of hentai. In fact, I don't consider this review his most complex or interesting work either, Crime Girls and Loveless Labyrinth are more intricate by comparison, however, I've chosen D-Medal because it was the first work I read by the author and it ... left enough of an impression on me to read his other works.

And there's a lesson in it! There is a moral to the story through the development of the protagonist, and it is fidelity. Yes, ironic and unexpected knowing that we are facing a “harem” context, except that it is not... fully. Explaining a bit, given the events of the plot, even if the protagonist is with different girls it is explicit that none of them develop feelings for him, it is only a ing amusement allowed by the creators of the story that build the basis of the second part.

Focusing on this first section, there is a variety of situations and girls presented, using all the school archetypes available, including classmates and teachers, a robust set that includes cheerleaders, threesomes, nurse, foreign teacher, idol, sportswoman, among others. Each one with a characteristic design and according to that model, Masato has a preference for curvy designs, big breasts and prominent hips, and it shows at all times in his choice of how to design each girl, but there is an interesting exception and it is in the heroine, with a more “realistic” body.

The variety of situations and designs consolidate his first segment. At each chapter we have the sexual encounter of the day, with Masato's irable ability to position where best exhibits the qualities, the s are very dynamic in their size and organization, allowing each page to prominently display the most attractive of the moment. Even when there is more than one couple, it doesn't lose that sense of where each should go. Together with the expressions detailed enough to fit the scene, it is a complete joy.

And then comes his twist, of which I don't want to go into depth to urge its reading, but I can affirm that his excellent drawing characteristics continue, whether in design, positioning or detail, including my favorite sexual sequence and of the whole work, he even has a moment of beautiful genuineness related to his main lesson of fidelity. For that cheesy, heartfelt dialogue alone, my overall appreciation for it is ratified.

Maybe even having that variety that stood out in the first chapters, I would have liked still a little more, of course, in the same way it should have corresponded with a longer duration of its second part. Anyway the existing is ideal for that lesson to which it is heading, again, unexpected to see fidelity exhibited in a harem context, and as an extra point, it can be found almost uncensored, for even greater enjoyment.

Español

Masato Ashiomi es un autor que tengo en especial consideración por su esfuerzo en construir narrativas, que si bien no son necesariamente volcadas a únicamente su historia, son lo suficientemente complejas para brindar un trasfondo interesante al motivo principal y universal del hentai. De hecho, la presente reseña tampoco la considero su obra más compleja o interesante, a comparación Crime Girls y Loveless Labyrinth son más intrincadas, sin embargo, me he decantado por D-Medal porque fue la primera obra que leí del autor y me dejó la suficiente impresión como para leer sus otras obras.

¡Y es que tiene una lección! Hay una moraleja en la historia a través del desarrollo del protagonista, y es la fidelidad. Si, irónico e inesperado sabiendo que estamos ante un contexto “harem”, excepto que no lo es… plenamente. Explicando un poco, dados los sucesos de la trama, aún si el protagonista está con diferentes chicas es explícito que ninguna desarrolla sentimientos por él, únicamente es una diversión pasajera permitida por los artífices de la historia que construyen la base de la segunda parte.

Centrándonos en esa primera sección, hay variedad de situaciones y chicas presentadas, utilizando todos los arquetipos escolares al alcance pasando por compañeras y maestras, un conjunto robusto que incluye animadoras, tríos, enfermera, maestra extranjera, idol, deportista, entre otras. Cada una con un diseño característico y acorde a ese modelo, Masato tiene preferencia por los diseños acurvados, de grandes pechos y prominentes caderas, y se nota a todo momento en su elección de como diseñar a cada chica, pero hay una interesante excepción y es en la heroína, con un cuerpo más “realista”.

La variedad de situaciones y diseños consolidan su primer segmento. A cada capítulo tenemos el encuentro sexual de turno, con la irable habilidad de Masato para posicionar donde mejor exhibe las cualidades, los es son muy dinámicos en su tamaño y organización, permite que en cada página se exhiba a prominencia lo más atractivo del instante. Ni siquiera habiendo más de una pareja pierde ese sentido de la disposición en donde debería ir cada cuál. Junto a las expresiones suficientemente detalladas para encajar en la escena, es un completo disfrute.

Y entonces llega su giro, del cuál no quiero profundizar para instar su lectura, eso sí, puedo afirmar que continúan sus excelentes características de dibujante, sea en diseño, posicionamiento o detalle, incluyendo mi secuencia y favoritos sexuales de toda la obra, hasta tiene un momento de bonita genuidad relacionado a su lección principal de fidelidad. Sólo por ese diálogo cursi y sincero, se ratifica mi apreciación general por la misma.

Puede que aún habiendo esa variedad que destacó en los primeros capítulos, me hubiese gustado todavía un poco más, por supuesto, de igual manera debía corresponder con una mayor duración de su segunda parte. De todas maneras lo existente es ideal para esa lección a la que se encamina, nuevamente, inesperado ver a la fidelidad exhibida en un contexto de harem, y como punto extra, puede encontrarse sin casi censura, para todavía mayor disfrute.

The following review is in Spanish and English (translated with the of DeepL)

The version read is the one licensed in Spanish by “Norma Editorial”.

The context and my approach on how to approach the review I have explained at the beginning of the review of the first part, you are invited to read it. I just want to mention the particularity that the last story of this anthology was published while Fujimoto was in the final stretch of his first serialized work, Fire Punch.

Ningyo Rhapsody

Published at the end of 2014, it shares the same year as the last work of the previous anthology, Shikaku. And ... it also has similar narrative characteristics, a romance with fantastic elements typical of its context with an extra layer of interest consisting of innocence due to the young age of its protagonist, what we would call a teenage first love, and a “forbidden” one, due to the difference in species between the two.

His subject matter consists of beauty guided by universal appreciation, in this case musical, and being a bridge to make a connection between those who seem unrelated. Tatsuki uses the fantastic context for a well-known universal message, without pretensions of being innovative, it is in the way he achieved it that highlights his creativity to establish a credible world even in its strangeness, and gave him the ground to realize detailed s; not only those double page, also in several of the “common ones” he conveys beauty, memory and even terror corresponding to the action.

Me wo Sametara Onnanoko ni Natteita Yamai

Another story with a romantic factor, however this is not the core but the unexpected change of the protagonist and how it affects his personal relationships. At the level of presentation and drawing is more austere compared to previous works, and it is understandable, reading it you can notice its approach grounded in simplicity, where the interest lies in the message that Fujimoto wants to convey “no matter what you become, the important thing is who you want to be”. From a perspective position, it is also the first work with the presence of some “trans” theme, which we will see again in some of his future works.

Yogen no Nayuta

My favorite work before his first serialization. His artistic style is consolidated by the consistent presence of the elements that characterize him as a an artist: the eyes, the marked expressions in the foreground, especially if they are in sequence, tracing all the moments the character is going through, the shading, a “dynamic” grid layout and the placement of his s that occupy half and full page.

At the same time it is a narrative completely “his own”. The fantastic and bloody elements are just as present as the moments of recollection and connection, it is a story of brotherhood (another of his recurring themes) intermingled with the difficulty of the circumstances that were imposed on him, which in themselves are also of interest because of that “normality in the face of the extraordinary”. Of course, I also owe part of my appreciation, inevitably, to the fact that the character design of “Nayuta” will surely be familiar to you if you have been reading his work.

Imouto no Ane

This one is about sisterhood, and has another pair of interesting themes that would characterize his other two One Shot of great fame years later, artistic inspiration and talent. Neither is a novel reflection, and the means to achieve it is ultimately simple, the factor to highlight is the characterization of both protagonists in brevity, highlighting the simplicity of relatives interspersed with disappointment, pride and a humorous touch.

His approach is very varied, he uses the whole page in different ways, it is not only the punctual actions that stand out, but also the feelings of the protagonist such as discomfort and remoteness, including the use of perspective in some s, and they are also reinforced by the vividness of the expressions of his characters. His best drawn work up to that moment (only referred to the One Shots).

The s dedicated to this representation that talent is nurtured by effort, I feel that they are a reflection of Fujimoto regarding his trajectory, it is enough to observe his early works to know that he was no genius of illustration, his arrival at this point is due to the same path that has had its protagonist.

The continuous practice.

Español

El contexto y mi aproximación acerca de cómo abordar la reseña los he explicado al comienzo de la reseña de la primera parte, estás invitado a leerla. Únicamente quiero mencionar la particularidad de que la última historia de esta antología fue publicada mientras Fujimoto estaba en el tramo final de su primera obra serializada, Fire Punch.

Ningyo Rhapsody

Publicada a finales de 2014, comparte el mismo año que la última obra de la anterior antología, Shikaku. Y también cuenta con similares características narrativas, un romance con elementos fantásticos propios de su contexto con una capa extra de interés que consiste en la inocencia debido a la corta edad de su protagonista, lo que llamaríamos un primer amor adolescente, y uno “prohibido”, por la diferencia de especie entre ambos.

Su temática consiste en la belleza guiada hacia la apreciación universal, en este caso musical, y siendo un puente para entablar una conexión entre quienes parecen no tener relación. Tatsuki utiliza el contexto fantástico para un conocido mensaje universal, sin pretensiones de ser innovador, es en el cómo lo consiguió que destaca su creatividad para establecer un mundo creíble aún en su extrañeza, y le dió terreno para realizar detallados es; no únicamente aquellos doble página, también en varios de “los comunes” transmite belleza, recuerdo y hasta terror correspondiente a la acción.

Me wo Sametara Onnanoko ni Natteita Yamai

Otra historia con un factor romántico, sin embargo este no es el núcleo sino que es el inesperado cambio del protagonista y cómo afecta a sus relaciones personales. A nivel de presentación y dibujo es más austero a comparación de los trabajos previos, y es entendible, leyéndolo se nota su enfoque aterrizado a la simpleza, en donde el interés radica en el mensaje que quiere transmitir Fujimoto “sin importar en que llegas a ser lo importante es aquel en quién quieres ser”. Desde una posición de perspectiva también es el primer trabajo con presencia de alguna temática “trans”, la cuál volveremos a ver en algunas de sus futuras obras.

Yogen no Nayuta

Mi trabajo favorito antes de su primera serialización. Se consolida su estilo artístico entendiéndolo de presencia consistente de los elementos que le caracterizan como dibujante: Los ojos, las marcadas expresiones en primer plano, especialmente si están en secuencia, trazando todos los momentos por los que está pasando el personaje, el sombreado, un esquema cuadriculado “dinámico” y la ubicación de sus es que ocupan media y página completa.

A su vez es una narrativa completamente “suya”. Los elementos fantásticos y sangrientos están igual de presentes que los instantes de recogimiento y conexión, es una historia de hermandad (otra de sus temáticas recurrentes) entremezclada con la dificultad de las circunstancia que le fueron impuestas, las cuáles en sí mismas también resultan de interés por esa “normalidad ante lo extraordinario”. Por supuesto, también debo parte de mi apreciación, de forma inevitable, a que el diseño de personaje de “Nayuta” seguramente te será conocido si seguiste leyendo su obra.

Imouto no Ane

Otra historia de hermandad, está vez femenina, y tiene otra par de interesantes temáticas porque caracterizarían sus otros dos One Shot de sobrada fama años después, la inspiración artística y el talento. Tampoco es una reflexión novedosa, y el medio para conseguirlo en últimas es sencillo, el factor a destacar es la caracterización de ambas protagonistas en la brevedad, se resalta la simplicidad de parientes entremezclados con la decepción, orgullo y un toque humorístico.

Su planteamiento es muy variado, utiliza la página completa de diferentes maneras, ya no es únicamente las acciones puntuales a destacar también son los sentimientos de la protagonista como incomodidad y lejanía, incluyendo utilizar la perspectiva en según qué es, y además son reforzados por la viveza de las expresiones de sus personajes. Su trabajo mejor dibujado hasta ese momento (únicamente referido a los One Shots).

Los es dedicados a esa representación de que el talento se nutre es del esfuerzo, siento que son una reflexión de Fujimoto respecto a su trayectoria, basta con observar sus primeros trabajos para saber que no era ningún genio de la ilustración, su llegada a este punto es debido al mismo camino que ha tenido su protagonista.

La práctica continua.